A.M FILCHENKOV
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Mon rêve est de voir l'avenir de la musique
Les sons magiques de la musique - balançoires ailées - dus au génie de l’humanité s’élevaient au-dessus du ciel. Mais ce ciel a-t-il toujours été sans nuages pour la musique? "Juste la joie devant vous?", "Vous ne connaissez pas les obstacles?" En grandissant, la musique, comme la vie humaine, comme le destin de notre planète, a vu différentes choses ...
La musique - la création la plus fragile de l'homme - a été testée plus d'une fois dans son histoire. Il a traversé l'obscurantisme médiéval, les guerres, le centenaire et la foudre, locale et mondiale. A traversé la révolution, la pandémie, la "guerre froide". Les répressions dans notre pays ont brisé le destin de nombreux créateurs, mais ont également fait taire certains instruments de musique. A été refoulé ... guitare.
Et pourtant, la musique, malgré une perte, a survécu.
Pas moins difficile pour la musique étaient les périodes ... d'une existence prospère et sans nuages de l'humanité. Comme beaucoup de scientifiques de la culture le pensent, moins de génies naissent dans ces années heureuses. Moins qu'à une époque de bouleversement social et politique! Les scientifiques pensent que le phénomène de la naissance d’un génie est en effet paradoxal en raison de sa dépendance non linéaire à la «qualité» de l’époque, le degré de sa préférence pour la culture.
Ainsi, la musique de Beethoven est née à l’époque d’une tragédie pour l’Europe, son origine étant une «réponse» à la terrible époque sanglante de Napoléon, l’époque de la Révolution française. Le décollage culturel russe du XIXe siècle ne s'est pas déroulé dans les paradis d'Eden. Rachmaninov a continué à créer (avec d'énormes pauses) en dehors de sa Russie bien-aimée. Sur son destin créatif la révolution a frappé. Andres Segovia Torres a sauvé et magnifié la guitare dans les années où la musique en Espagne était suffocante. Sa patrie a perdu dans la guerre la grandeur de la puissance maritime. Bercé le pouvoir royal. Le pays de Cervantes, Velasquez, Goya a subi la première bataille meurtrière avec le fascisme. Et perdu ...
Bien sûr, il serait cruel de parler même de modéliser une catastrophe sociopolitique avec un seul objectif: éveiller un génie, créer un environnement nourrissant pour lui, agir selon le principe "le pire, le meilleur." Et, néanmoins, la culture peut être influencée sans avoir recours au scalpel. Une personne est capable d'aider la musique.
La musique est un phénomène doux. Elle ne sait pas se battre, même si elle peut lutter contre les ténèbres. La musique a besoin de notre contribution. Elle est sensible à la bienveillance des dirigeants, à l'amour humain. Son destin dépend du travail dévoué des musiciens et, à bien des égards, des professeurs de musique.
En tant que professeur d'école de musique pour enfants. Ivanova-Kramskoy, comme beaucoup de mes collègues, je rêve d'aider les enfants à naviguer avec succès sur la voie de la musique dans les conditions difficiles de la réforme du système d'éducation musicale. La musique et les enfants, ainsi que les adultes, ne sont pas faciles à vivre à l'ère du changement.
L'époque des révolutions et des réformes ... Que cela nous plaise ou non, nous ne pouvons que réagir aux défis de notre époque. Dans le même temps, en développant de nouvelles approches et mécanismes pour répondre aux problèmes mondiaux, il est important non seulement de se laisser guider par les intérêts de l'humanité et de notre grand pays, mais également de ne pas perdre de vue les rêves et les aspirations du "petit" jeune musicien. Comment alors, si possible, réformer sans douleur l’éducation musicale, préserver l’ancien utile, rejeter (ou réformer) l’obsolète, inutile? Et cela doit être fait, compte tenu des nouveaux impératifs de notre époque.
Et pourquoi avons-nous besoin de réformes? En effet, de nombreux experts, bien que pas tous, considèrent notre modèle d’éducation musicale comme très efficace.
Tous ceux qui vivent sur notre planète à des degrés divers, sont confrontés (et le seront certainement à l'avenir) aux problèmes mondiaux de l'humanité. C’est le problème de fournir à l’humanité des ressources (industrielles, eau et nourriture) et le problème du déséquilibre démographique pouvant conduire à une "explosion", à la famine et aux guerres sur la planète. La menace d'une guerre thermonucléaire pesait sur l'humanité. Comme jamais auparavant, le problème de la préservation de la paix est grave. La catastrophe écologique est à venir. Le terrorisme. Épidémies de maladies incurables. Le problème est nord-sud. La liste peut être continuée. Au XIXe siècle, le naturaliste français J.-B. Lemark avait une blague sombre: "Homme, c'est le genre qui va se détruire."
De nombreux experts nationaux et étrangers dans le domaine des études culturelles et musicales ont déjà noté l'impact négatif croissant de certains processus mondiaux sur la "qualité" de la musique, la "qualité" d'une personne, la qualité de son éducation musicale.
Comment répondre à ces défis? Révolutionnaire ou évolutif? Combiner les efforts de nombreux États ou se battre un à un? Souveraineté culturelle ou internationale culturelle? Certains experts voient une issue à la politique de mondialisation de l'économie, au développement de la division internationale du travail et à l'approfondissement de la coopération mondiale. À l’heure actuelle, c’est peut-être le modèle dominant, mais non indiscutable, de l’ordre mondial. Il est important de noter que tous les experts ne sont pas d'accord avec les méthodes de prévention des catastrophes mondiales fondées sur les principes de la mondialisation. De nombreux experts prédisent une apparition dans l'avenir prévisible du modèle néoconservateur de construction du monde. Quoi qu’il en soit, la solution de nombreux problèmes s’impose si l’on consolide les efforts des parties en conflit sur la base de principes scientifiques, de réformes progressives, de la prise en compte mutuelle des opinions et des positions, la mise à l’essai de différentes approches fondées sur l’expérience, les principes de la rivalité constructive. Peut-être, par exemple, il serait souhaitable de créer des modèles alternatifs d'écoles de musique pour enfants, y compris sur une base autonome. "Laissez cent fleurs s'épanouir!" Il est également important de rechercher des compromis sur les questions de priorités, d’objectifs et d’outils de réforme. Il est conseillé de libérer, autant que possible, les réformes de la composante politique, lorsque les transformations sont utilisées non pas tant pour le plaisir de la musique elle-même, mais dans l’intérêt de groupes de pays, dans l’intérêt des entreprises comme un moyen d’affaiblir leurs concurrents.
De nouvelles approches pour résoudre les défis auxquels l’humanité est confrontée dictent ses besoins en ressources humaines. Nouvel homme moderne est en train de changer. Il doit respecter les nouvelles relations de production. Les critères et les exigences pour une personne dans les conditions modernes sont en train de changer. Les enfants changent aussi. C'est sur les écoles de musique pour enfants, en tant que lien principal dans le système d'éducation musicale, que la mission est de rencontrer «l'autre», les «nouveaux» garçons et filles et de les accorder à la «tonalité» nécessaire.
A la question posée plus haut sur la nécessité de réformes dans le domaine de l'enseignement de la musique, la réponse pourrait peut-être être formulée comme suit. Les nouveaux stéréotypes dans le comportement des jeunes, l’évolution des valeurs, un nouveau niveau de pragmatisme, de rationalisme et bien plus encore exigent une réponse adéquate des enseignants, la mise au point de nouvelles approches et méthodes pour corriger et adapter l’élève moderne aux exigences traditionnelles, éprouvées par le temps, qui font de grands musiciens "passé" s'est envolé vers les étoiles. Mais le temps nous pose non seulement les problèmes liés au facteur humain. Les jeunes talents, sans même s'en rendre compte, subissent les conséquences de la rupture de l'ancien modèle de développement économique et politique, de la pression internationale ...
Au cours des 25 dernières années, depuis l'effondrement de l'URSS et le début de l'édification d'une nouvelle société, l'histoire de la réforme du système national d'éducation musicale a été brillante et négative. La période difficile des années 90 a cédé le pas à une approche plus équilibrée des réformes.
L'adoption par le gouvernement de la Fédération de Russie du «Concept pour le développement de l'éducation dans le domaine de la culture et de l'art dans la Fédération de Russie pour 2008-2015» a été une étape importante et nécessaire dans la réorganisation du système d'éducation musicale nationale. Chaque ligne de ce document montre le désir des auteurs d'aider la musique à survivre et de donner une impulsion à son développement ultérieur. Il est évident que les créateurs du "Concept" ont une âme pour notre culture et notre art. Il est clair qu’il est impossible de résoudre immédiatement et du jour au lendemain tous les problèmes liés à l’adaptation de l’infrastructure musicale aux nouvelles réalités. Cela explique, à notre avis, une approche trop technique, pas totalement conceptuelle, pour surmonter les nouveaux défis de l’époque. Bien qu'il faille reconnaître que les détails bien pensés, les problèmes bien définis (bien qu'incomplets) de l'éducation artistique, orientent clairement les organisations éducatives du pays vers la réduction des goulots d'étranglement. Parallèlement, par souci d'équité, il convient de noter que les outils, méthodes et méthodes permettant de résoudre certains problèmes dans les conditions des nouvelles relations de marché ne sont pas pleinement présentés. Le dualisme de la période de transition implique une double approche ambiguë des problèmes à résoudre.
Pour des raisons évidentes, les auteurs ont été contraints de contourner certains éléments essentiels de la réforme de l'éducation musicale. Par exemple, les questions de financement et d'appui matériel et technique du système éducatif, ainsi que la création d'un nouveau système de rémunération des enseignants, sont laissées de côté. Comment dans les nouvelles conditions économiques déterminer le rapport entre les instruments de l’État et du marché pour assurer la croissance de carrière des jeunes musiciens (ordre du gouvernement ou besoins du marché)? Comment influencer les étudiants - la libéralisation du processus éducatif ou de sa régulation, un contrôle strict? Qui domine le processus d'apprentissage, enseignant ou étudiant? Comment assurer la construction d'infrastructures musicales - investissement public ou initiative d'organisations privées? Identité nationale ou "bolonisation"? Décentralisation du système de gestion de l'industrie ou maintien d'un contrôle strict de l'État? Et si la réglementation est stricte, quelle sera son efficacité? Quel sera le rapport entre les types d'établissements d'enseignement acceptables pour les conditions russes - Etat, public et privé? Approche libérale ou néoconservatrice?
À notre avis, l’un des moments positifs du processus de réforme a été un affaiblissement partiel (de l’avis des réformateurs radicaux, d’une extrême insignifiance) du contrôle et de la gestion par l’État du système d’éducation musicale. Il convient de reconnaître qu’une certaine décentralisation de la gestion du système s’est opérée plus de facto que de jure. Même l'adoption de la loi sur l'éducation en 2013 n'a pas résolu ce problème de manière radicale. Bien que, bien entendu, de nombreux milieux de la musique de notre pays se soient félicités de la déclaration d'autonomie des organisations éducatives, de la liberté des enseignants et des parents d'élèves dans la gestion des organisations éducatives (3.1.9). Auparavant, tous les programmes étaient approuvés au niveau du ministère de la Culture et de l’Éducation. À présent, les institutions musicales sont devenues un peu plus libres dans l’élaboration des programmes, en élargissant la gamme des œuvres musicales étudiées, ainsi que dans l’enseignement des tendances modernes de l’art musical, y compris le jazz, les arts avant-gardistes et les arts. d'autres
Le programme de développement du système d'éducation musicale russe pour la période 2015-2020 et le plan de mesures pour sa mise en œuvre, demandé par le ministère de la Culture de la Fédération de Russie, méritent une haute évaluation. Dans le même temps, il semble que cet important document pourrait être partiellement complété. Comparons-le au programme "Les grandes orientations de la réforme de l’éducation musicale aux États-Unis pour les 40 prochaines années" adopté lors du deuxième colloque de Tanglewood "Charting for Future" adopté aux États-Unis en 2007. Selon notre opinion subjective, le document américain, contrairement au document russe, est de nature trop générale, déclarative et recommandatoire. Il n'est pas étayé par des propositions et recommandations spécifiques sur les moyens et méthodes de mise en œuvre du plan. Certains experts justifient le caractère excessivement étendu du document américain par le fait que c'est à ce moment-là que s'est produite la plus grave crise financière de 2007-2008 aux États-Unis. Construire des projets pour l'avenir dans de telles conditions est, à leur avis, très difficile. Il nous semble que la faisabilité de projets futurs (russes et américains) dépend non seulement du degré d'élaboration de ce qui était prévu, mais également de la capacité du «sommet» à intéresser la communauté musicale des deux pays au soutien des programmes adoptés. En outre, beaucoup dépendra de la capacité du top management à atteindre le résultat souhaité, de la disponibilité des ressources administratives au plus haut niveau. Comment ne pas comparer l'algorithme d'aide à la décision et son exécution aux États-Unis, en Chine et dans la Fédération de Russie?
En tant que phénomène positif, de nombreux experts envisagent une approche prudente en Russie pour réformer la structure organisationnelle de l'éducation musicale. Beaucoup pensent encore que le modèle différencié d'éducation musicale en trois étapes créé dans les années 20 et 30 du 20ème siècle dans notre pays est unique et extrêmement efficace. Rappelons que, sous sa forme la plus schématique, il comprend l’enseignement musical primaire dans les écoles de musique pour enfants, l’enseignement spécial secondaire dans les collèges de musique - écoles et l’enseignement musical supérieur dans les universités et les conservatoires. En 1935, des écoles de musique pour enfants talentueux sont également créées dans les conservatoires. Avant la «perestroïka» en URSS, il y avait plus de 5 000 écoles de musique pour enfants, 230 écoles de musique, 10 écoles d’art, 12 écoles pédagogiques de musique, 20 conservatoires, 3 instituts pédagogiques de musique, plus de 40 facultés de musique d’instituts pédagogiques. Beaucoup pensent que la force de ce système réside dans sa capacité à combiner le principe du caractère de masse avec une attitude individuelle anxieuse à l’égard d’élèves compétents, ce qui leur offre des possibilités de croissance professionnelle. Selon certains des principaux musicologues russes (notamment un membre de l'Union russe des compositeurs, professeur d'histoire de l'art, professeur L. A. Kupets), il conviendrait de préserver une éducation musicale en trois étapes, n'ayant subi que des corrections superficielles, notamment en ce qui concerne institutions musicales conformément aux exigences des principaux centres d’éducation musicale étrangers.
L’expérience américaine d’offrir un art musical de haut niveau dans le pays mérite une attention particulière.
Aux États-Unis, l’attention portée à la musique est immense. Dans les milieux gouvernementaux et dans la communauté musicale de ce pays, les succès et les problèmes nationaux dans le monde de la musique, y compris dans le domaine de l'éducation musicale, sont largement discutés. Les discussions approfondies se limitent notamment à la «Art Advocacy Day» célébrée chaque année aux États-Unis, qui s'est par exemple déroulée du 20 au 21 mars 2017. Dans une large mesure, cette attention est due, d’une part, au désir de préserver le prestige de l’art américain et, d’autre part, au désir d’utiliser les ressources intellectuelles de la musique et de l’éducation musicale pour renforcer l’immunité de la société dans la lutte pour la préservation du leadership technologique et économique américain dans le monde. Audition devant le Congrès américain sur l'impact de l'art et de la musique sur l'économie du pays («L'impact de l'industrie des arts et de la musique sur l'économie et l'emploi», Audience devant la Chambre des représentants, 26 mars 2009) afin de promouvoir l'idée d'utiliser plus activement les possibilités de l'art pour résoudre Les mots suivants du président Abama ont été utilisés pour des tâches nationales: "L'art et la musique jouent un rôle très important dans l'amélioration de la qualité de la main-d'œuvre du pays, de la qualité de la vie et de la situation dans les écoles."
Le célèbre industriel américain Henry Ford a parlé du rôle de la personnalité, de la valeur de la personnalité: "Vous pouvez prendre mes usines, mon argent, brûler mes bâtiments, mais laissez-moi mon peuple, et avant que vous ne reveniez à la raison, je restaurerai tout et serai encore en avance sur vous ... "
La plupart des experts américains pensent que l'apprentissage de la musique active l'activité intellectuelle d'une personne, augmente son quotient intellectuel, développe la créativité humaine, son imagination, sa pensée abstraite, son innovation. Des scientifiques de l'Université du Wisconsin sont parvenus à la conclusion que les étudiants en piano jouaient une activité plus intense (34% supérieure à celle des autres enfants) des régions du cerveau les plus utilisées par l'homme pour résoudre des problèmes relevant des domaines des mathématiques, des sciences, de la technologie et de la technologie.
Il semble que les milieux de la musique aux États-Unis se réjouissent de l’apparition de la monographie Kirnarskaya D.K. "La musique classique pour tous." La déclaration suivante de l'auteur est particulièrement intéressante pour les experts américains: "Musique classique ... - gardien et éducateur de la sensibilité émotionnelle, de l'intelligence, de la culture et des sentiments ... Tous ceux qui aiment la musique classique changeront au bout d'un certain temps: il deviendra plus délicat, plus intelligent et plus мыслей приобретет большую изощренность, тонкость, нетривиальность".
Кроме всего прочего, музыка, по мнению ведущих американских политологов, приносит обществу огромную прямую экономическую пользу. Музыкальный сегмент американского общества существенно пополняет бюджет США. Так, все предприятия и организации, функционирующие в сфере культуры США, ежегодно зарабатывают 166 млрд. долл., дают работу 5,7 млн. американцев (1,01% от количества занятых в американской экономике) и приносят в бюджет страны около 30 млрд. долл.
Et comment mesurer, en termes monétaires, le fait que les élèves qui participent à des programmes de musique à l'école sont beaucoup moins susceptibles d'être impliqués dans la criminalité, la consommation de drogue ou d'alcool? Des conclusions positives sur le rôle de la musique dans ce domaine sont venues, par exemple, la Commission sur les drogues et l'alcool de l'État du Texas.
Enfin, de nombreux scientifiques américains estiment que la musique et l’art sont capables de résoudre les problèmes de la survie globale de l’humanité dans de nouvelles conditions de civilisation. Selon l'expert de la musique américain Elliot Eisner (auteur de «Implications du nouveau conservatisme pédagogique sur l'avenir de l'éducation artistique», Hearing, Congrès des États-Unis, 1984), «seuls les professeurs de musique savent que l'art et les sciences humaines Le lien crucial entre le passé et le futur nous aide à préserver les valeurs humaines à l’ère de l’électronique et des machines. " John F. Kennedy a fait une déclaration curieuse à cet effet: "L’art n’est pas du tout une chose mineure dans la vie d’une nation. Il est très proche du complot principal de l’État et constitue un test décisif qui permet d’évaluer le degré de sa civilisation."
Il est important de noter que le modèle éducatif russe (en particulier le système développé d'écoles de musique pour enfants et d'écoles pour enfants talentueux) ne correspond pas à l'écrasante majorité des systèmes étrangers pour la sélection et la formation de musiciens. En dehors de notre pays, à de rares exceptions près (Allemagne, Chine), un système de formation de musiciens en trois étapes, similaire au système russe, n'est pas pratiqué. Quelle est l'efficacité du modèle national d'éducation musicale? On peut comprendre beaucoup de choses en comparant votre expérience avec la pratique de pays étrangers.
L’enseignement de la musique aux États-Unis est l’un des meilleurs au monde, bien que, selon certains critères, comme beaucoup d’experts le pensent, il reste inférieur au russe.
Par exemple, le modèle de l’Atlantique Nord (qui a reçu le nom de "McDonaldization" selon certains critères essentiels) présente certaines similitudes externes avec la nôtre, sa structure est plus simple et peut-être un peu moins efficace.
Bien qu’aux États-Unis, il est recommandé que les premiers cours de musique (un ou deux cours par semaine) aient déjà lieu au collège, mais dans la pratique, ce n’est pas toujours le cas. L'apprentissage de la musique est facultatif. En réalité, les cours de musique dans les établissements d'enseignement général américains, comme obligatoires, ne commencent qu'à partir de la huitième année, c'est-à-dire à l'âge de 13 ou 14 ans. Ceci, même selon les musicologues occidentaux, est trop tard. Selon certaines estimations, 1,3 million d'élèves du primaire n'auront pas la possibilité d'apprendre la musique. Aux États-Unis, plus de 8 000 écoles publiques ne dispensent pas de cours de musique. Comme on le sait, la situation en Russie dans ce segment de l'éducation musicale est également extrêmement défavorable.
L’enseignement de la musique aux États-Unis peut être dispensé dans des conservatoires, des instituts, des universités de musique, des départements de musique d’universités, ainsi que dans des écoles de musique (collèges), dont beaucoup sont incorporés dans des universités et des instituts. Il convient de préciser que ces écoles / collèges ne sont pas analogues aux écoles de musique pour enfants russes. Les plus prestigieux établissements américains d'enseignement de la musique sont le Curtis Institute of Music, la Julliard School, le Berklee College of Music, le New England Conservatory, l'Eastman School of Music, le San Francisco Conservatory of Music et autres. Aux États-Unis, il y a plus de 20 conservatoires (le nom même du "conservatoire" chez les Américains est trop conditionnel; c'est peut-être ce que certains instituts et même collèges peuvent s'appeler). La plupart des conservatoires s'appuient sur la musique classique. Au moins sept conservatoires explorent la musique contemporaine. Les frais d'inscription (uniquement pour les frais de scolarité) dans l'une des plus prestigieuses universités américaines Julliard School dépassent 40 000 dollars par an. C'est deux à trois fois plus élevé que dans les universités de musique conventionnelle aux États-Unis. Il est à noter que pour la première fois de l'histoire américaine, la Julliard School crée une succursale dans la ville de Tianjin (RPC) en dehors des États-Unis.
Aux États-Unis, les écoles préparatoires, qui fonctionnent dans la plupart des grands conservatoires et des "écoles de musique" aux États-Unis, ont partiellement fermé le créneau de l'éducation musicale spéciale pour enfants aux États-Unis. Les enfants peuvent commencer de jure dans les écoles préparatoires à partir de six ans. Après avoir terminé ses études à l’école préparatoire, un étudiant peut s’inscrire dans une école de musique et se qualifier pour le diplôme de «baccalauréat en éducation musicale» (par analogie avec le niveau de connaissances après trois années d’études dans nos universités). . D in Music ”(qui rappelle vaguement notre école d'études supérieures).
Il est théoriquement possible à l'avenir de créer des écoles de musique primaires spécialisées aux États-Unis sur la base de l'enseignement général «Magnet schools» (écoles pour enfants surdoués).
Il existe actuellement aux États-Unis 94 000 professeurs de musique (soit 0,003% de la population totale du pays). La taille de leur salaire moyen est de 65 000 dollars par an (varie de 33 000 dollars à 130 000 dollars). Selon d'autres, le salaire moyen est légèrement inférieur. Si vous calculez la rémunération du professeur de musique américain pour une heure d'enseignement, le salaire moyen sera alors de 28,43 $ l'heure.
La méthode d'enseignement américaine ("McDonaldization"), en particulier, repose essentiellement sur l'unification, la formalisation et la standardisation maximales de l'éducation. Certains musiciens et scientifiques russes sont particulièrement réticents lorsque cette méthode entraîne une diminution de la créativité de l'étudiant. Cependant, le modèle de l'Atlantique Nord présente de nombreux avantages. C'est très fonctionnel, de bonne qualité. Permet à l'étudiant d'acquérir un niveau de professionnalisme relativement élevé relativement rapidement. Soit dit en passant, le pragmatisme et les entreprises américaines peuvent être illustrés par le fait que les Américains ont réussi à mettre en place rapidement un système de traitement de la musique et à porter à 7 000 le nombre de musicothérapeutes aux États-Unis.
Outre la tendance à la baisse susmentionnée de la créativité des étudiants et les problèmes croissants liés à l'éducation musicale dans les écoles d'enseignement général, la communauté musicale américaine s'inquiète d'une réduction des fonds alloués au cluster d'éducation musicale. Beaucoup sont préoccupés par le fait que les autorités locales et centrales du pays ne sont pas pleinement conscientes de l’importance d’enseigner à la musique et à l’art les jeunes Américains. Il existe également un grave problème de recrutement, de formation des enseignants et de rotation du personnel. Le professeur Paul E. Leyman, doyen de l’École de musique de l’Université du Michigan, a examiné certains de ces problèmes dans son rapport à l’audience du Congrès des États-Unis sur le sous-comité de l’enseignement primaire, secondaire et professionnel.
Aux États-Unis, depuis les années 80 du siècle dernier, la question de la réforme du système national de formation du personnel musical a été aiguë. En 1967, lors du premier symposium de Tanglewood, des recommandations ont été formulées sur la manière d'accroître l'efficacité de l'éducation musicale. Des plans de réforme dans ce domaine ont été élaborés pour une période de 40 ans. En 2007, après cette période, la deuxième réunion de professeurs de musique, interprètes, scientifiques et experts reconnus a eu lieu. Le nouveau colloque «Tanglewood II: Tracer la voie pour l'avenir» a adopté une déclaration sur les grandes orientations de la réforme de l'éducation pour les 40 prochaines années.
En 1999, la conférence scientifique «The Housewright Symposium / Vision 2020» s’est tenue, où l’on a tenté de développer des approches en matière d’éducation musicale pour une période de 20 ans. Une déclaration correspondante a été adoptée.
En 2012, l'organisation panaméricaine «The Music Education Policy Roundtable» a été créée pour débattre des questions liées à l'éducation musicale dans les écoles primaires et secondaires aux États-Unis. Les associations suivantes de musiciens américains apportent leur faveur: Association américaine des professeurs de cordes, Société internationale pour l'éducation musicale, Société internationale pour l'éducation musicale, Association nationale des professeurs de musique.
En 1994, des normes nationales d'éducation musicale ont été adoptées (et complétées en 2014). Certains experts estiment que les normes sont énoncées en termes trop généraux. En outre, ces normes n'ont été approuvées que par une partie des États, car ils disposent d'un degré élevé d'indépendance pour prendre de telles décisions. Certains États ont mis au point leurs propres normes et d’autres n’ont pas du tout soutenu cette initiative. Cela confirme la thèse selon laquelle dans le système éducatif américain, c’est le secteur privé, et non le ministère de l’éducation, qui fixe les normes de l’éducation musicale.
Des États-Unis, nous serons transférés en Europe, en Russie. La réforme européenne de Bologne (considérée comme un moyen d'harmoniser les systèmes éducatifs des pays appartenant à la Communauté européenne), qui avait franchi les premiers pas dans notre pays en 2003, est au point mort. Elle a fait face à son rejet par une partie importante de la communauté musicale nationale. Les tentatives venues d'en haut, sans discussion large, pour réglementer le nombre d'institutions musicales et de professeurs de musique dans la Fédération de Russie ont rencontré une résistance particulière.
Jusqu'ici, le système de Bologne existe dans notre environnement musical dans un état pratiquement inactif. Ses aspects positifs (comparabilité des niveaux de formation des spécialistes, mobilité des étudiants et des enseignants, unification des besoins des étudiants, etc.) sont nivelés, comme beaucoup le pensent, par les systèmes de formation modulaires, par «l'imperfection» du système de diplômes scientifiques délivrés sur la base de la formation. Certains experts estiment que, malgré des progrès notables, le système de reconnaissance mutuelle des certificats d’éducation reste incomplet. Ces "incohérences" sont particulièrement bien perçues par les États non membres de la Communauté européenne, ainsi que par les pays candidats à l'adhésion au système de Bologne. Les pays qui adhèrent à ce système ont un travail difficile à faire correspondre au programme. Ils devront également résoudre le problème posé par l'introduction de ce système en réduisant le niveau de pensée analytique et d'attitude critique à l'égard du matériel pédagogique chez les étudiants.
Pour une compréhension plus fondamentale du problème de la bolonisation du système national d'éducation musicale, il est conseillé de se reporter aux travaux du célèbre musicologue, pianiste, professeur K.V. Zenkina, d'autres experts en art de premier plan.
À un certain stade, il serait possible (avec certaines réserves) à la Communauté européenne, passionnée par l'idée d'unifier les systèmes d'éducation musicale en Europe, avec l'initiative d'élargir la portée géographique de cette idée, d'abord à l'Eurasie, puis à l'échelle mondiale.
En Grande-Bretagne, le système créatif de formation de musiciens a pris racine. Enseignants privés populaires. Il existe un petit nombre d'écoles de musique pour enfants le samedi et plusieurs écoles de musique d'élite spécialisées telles que l'école Purcell, sous le patronage du prince de Galles. Le plus haut niveau d'éducation musicale en Angleterre, comme dans la plupart des pays du monde, a par sa structure, sa structure, beaucoup en commun. Les différences concernent la qualité de l’enseignement, les méthodes, les formes d’enseignement, le niveau d’informatisation, les systèmes de motivation de l’élève, le degré de contrôle et d’évaluation de chaque élève, etc.
En matière d'éducation musicale, l'Allemagne se distingue de la plupart des pays occidentaux par sa riche expérience en éducation musicale. À propos, les systèmes allemand et russe ont beaucoup en commun. Comme vous le savez, au XIXe siècle, nous avons beaucoup emprunté à l’école de musique allemande.
Actuellement en Allemagne, il existe un vaste réseau d'écoles de musique. Au début du XXIe siècle, leur nombre est passé à 980 (à titre de comparaison, la Russie compte près de six mille écoles de musique pour enfants). Un grand nombre d'entre elles sont des institutions publiques (d'État) rémunérées, gérées par les autorités municipales et les administrations locales. Leur structure de programme est strictement réglementée. La participation de l'État à leur gestion est minimale, symbolique. Environ 35 000 enseignants de ces écoles enseignent à près de 900 000 étudiants (dans la Fédération de Russie, dans le cadre de l’enseignement professionnel supérieur, les lois normatives établissent le rapport entre le nombre de professeurs et le nombre d’élèves allant de 1 à 10). Il existe également des écoles de musique privées (plus de 300) et commerciales en Allemagne. Dans les écoles de musique allemandes, il existe quatre niveaux d’études: élémentaire (de 4 à 6 ans), moyen inférieur, moyen et supérieur (plus élevé - gratuit). Dans chacun d'entre eux, la formation est conçue pour 2-4 ans. Une éducation musicale plus ou moins complète coûte aux parents environ 30 à 50 000 euros.
En ce qui concerne les écoles secondaires ordinaires (Gymnasium) et secondaires (Gesamtschule), le cours de musique élémentaire (élémentaire) (l'étudiant peut choisir d'étudier la musique ou de maîtriser l'art visuel ou théâtral) est de 2 à 3 heures par semaine. Le cours de musique optionnel plus intensif propose des leçons de 5 à 6 heures par semaine. Le programme comprend l'élaboration d'une théorie générale de la musique, la notation musicale, les bases de l'harmonie. Pratiquement tous les gymnases et collèges ont un bureau équipé d’équipements audio et vidéo (chaque cinquième professeur de musique en Allemagne est formé à l’utilisation du matériel MIDI). Il existe plusieurs instruments de musique. La formation se déroule généralement par groupes de cinq, chacun avec son propre outil. Pratiquer la création de petits orchestres.
Il est important de noter que les écoles de musique allemandes (à l'exception des écoles publiques) n'ont pas un seul programme.
L'enseignement supérieur (conservatoires, universités) assure une formation de 4 à 5 ans. Les universités se spécialisent dans la formation de professeurs de musique, de conservatoires d’artistes, de chefs d’orchestre. Les diplômés défendent un travail de thèse (ou de thèse) et reçoivent une maîtrise. La défense d'une thèse de doctorat est possible. En Allemagne, il existe 17 institutions musicales supérieures, dont quatre conservatoires et 13 écoles supérieures qui leur sont assimilées (en dehors des facultés spécialisées et des départements universitaires).
En Allemagne, sont en demande et les professeurs privés. Selon le syndicat allemand des professeurs indépendants, le nombre de professeurs de musique privés officiellement enregistrés dépasse les 6 000 personnes.
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